Muse — це, по суті, група-парадокс. З одного боку, це тріо, яке визнають за їхні виняткові технічні навички: унікальні риффи, впізнаваний фальцет, лірика та клавішні партії Метта Белламі, динамічна точність Домініка Говарда та складні бас-партії Кріса Волстенхолма.
З іншого боку, це гурт, який вже понад 25 років випускає те, що їм подобається. В їхній дискографії можна знайти абсолютно все: від важкого металу, рок-опер, електронної музики, до класичної 12-хвилинної симфонії, натхненної Пінк Флойд, Штрауссом, Рахманіновим та Шопеном.
Ці складові є ключем до їхнього розуміння. Протягом трьох десятиліть Muse свідомо культивували образ, який визначив їх як групу, яка вміє робити будь-що. Ранні критики відкидали це «як вражаюче безглузде», «надмірно помпезне», часто критикуючи лірику та музику. Проте, як покаже наша стаття, саме їх вражаюча безглуздість і зробила Muse легендарними.
То ж зараз ми розглянемо їхнє становлення, зміни стилів, неймовірне вміння проводити живі виступи та писати лірику від любовних тем, до ентропії та знищення людства.
Історія створення та рання творчість: Від «Rocket Baby Dolls до Muse»
Усі троє учасників Muse народилися в різних куточках Британії, проте ще в дитинстві доля звела їх на південному заході Англії, у Тінмуті.
Їхня історія почалась із того, що Домінік запросив до свого гурту Метта на роль гітариста, проте зовсім скоро, інші учасники гурту перестали цікавитись музикою так сильно, як Метт та Дом, то ж гурт розпався, залишивши їх без бас-гітариста, а роль вокаліста перейняв на себе юний Белламі.
Знайомство з Волстенхолмом відбулось пізніше, коли він та Белламі разом грали в футбол на місцевому стадіоні. Кріс охарактеризував Метта як «жахливого футболіста», проте вони швидко зійшлись в музичних поглядах, розуміючи, що інші не настільки горять творчістю, то ж через деякий час Кріс доєднався до гурту. Незважаючи на те, що він був барабанщиком іншої місцевої групи, Волстенхолм швидко навчився грати на бас-гітарі, тим самим остаточно сформувавши майбутню Muse.
Спочатку гурт мав назву Rocket Baby Dolls. Белламі описав їх ранні виступи як спробу «виглядати як The Cure, але звучати як Rush». На той час вони наносили купу мейк-апу та виглядали як готи, різко контрастуючи з іншими місцевими музикантами.
Після перемоги на локальній битві груп у 1994 р., паралельно розтрощивши все музичне обладнання, хлопці почали сприймати себе серйозніше, все глибше поринувши у творчість.
Зрештою, гурт зупинився на назві «Muse», керуючись прагматичним рішенням: за словами музикантів: «воно було коротким і добре виглядало на плакаті».
Рання творчість
Перші виступи Muse були важкими. Вони пройшли шлях від виконання «кавер-версій», які грали перед 50 людьми в спортивних клубах, до написання власних пісень та виступів «ніде й ні для кого». Групу часто просили грати кавери, що було для них ненависним.
У жовтні 1995 р. Денніс Сміт, власник Sawmills Studios, звернув на них увагу під час виступу в одному з сіл Корнуолла.
«Метью має неймовірний діапазон думок. У нього такий творчий та креативний розум, що було очевидно в ті ранні дні; він завжди кидав виклик і хотів вступати в дуже глибокі розмови, на усвідомлення яких пішло 20 років дорослого життя. Старша голова на значно молодших плечах — таким я його завжди бачив», — Сміт про креативність Метта.
Пізніше Сміт запропонував їм безкоштовний час для запису у своїй студії та став співзасновником музичної продюсерської компанії Taste Media спеціально для Muse.
Завдяки ньому, Muse змогли випустити однойменний EP на власному лейблі Sawmills, Dangerous. Вони привернули багато шанувальників по всій Англії, а також увагу Стіва Ламака, впливового британського музичного журналіста.
Незважаючи на успіх, британські звукозаписні компанії неохоче підтримували Muse. За їхніми словами, їхня музика звучала надто схоже на Radiohead.
Незважаючи на це, для них було організовано кілька концертів у Сполучених Штатах, що викликало сильний інтерес з боку лейблу Мадонни — Maverick. Пізніше Maverick підписав з Muse контракт на запис напередодні Різдва 1998 р. Після повернення з Америки Taste Media організувала для групи угоди з різними звукозаписними лейблами в Європі та Австралії. Вони випустили ще один EP — Muscle Museum EP, який викликав до них ще більший інтерес.
Джона Лекі, відомого продюсера, який працював з Radiohead, залучили до продюсування їхнього першого альбому, і 4 жовтня 1999 р. Showbiz був випущений по всьому світу після успіху Uno та Cave, перших двох синглів з Showbiz.
Showbiz
Дебютний альбом Showbiz, випущений у 1999 р., став для Muse першим серйозним випробуванням у музичній пресі. Альбом продемонстрував ключові елементи їхнього майбутнього звучання: видатний фальцет Белламі та «меланхолійний стиль альтернативного року». Також платівка зайняла 29 місце в британському чарті.
Учасники гурту описали концепцію альбому Showbiz як дослідження сили та впливу «великих стін звуку» на слухача. Меттью Белламі зазначив, що звучання пісень еволюціонувало роками, і їх можна виконувати як у важкій, так і в спокійній манері. Він також розкрив процес написання: зазвичай спочатку створюється музика та мелодія, і лише потім — текст, хоча для пісень Falling Down та Unintended слова були написані першими.
Кріс Волстенголм додав, що тематика альбому виходить за рамки людських стосунків і торкається дорослішання в епоху технологій. Він підкреслив подвійність сучасного спілкування: хоча технології можуть створювати комунікаційні проблеми, Інтернет водночас «зменшив світ». За його словами, попри те, що пісні можуть здаватися ззовні негативними, їхній справжній посил — життєствердний і полягає в обміні досвідом.
Критичне сприйняття було змішаним. Багато хто хвалив темне, пристрасне та динамічне звучання, потужну музичну майстерність та помпезний, але часом витончений підхід, що підготувало ґрунт для майбутнього успіху Muse. Ну і звісно ж всі критики помітили неймовірний голос Белламі.
Пітер Стіл, вокаліст гурту Type O negative так оцінив вокал Метью в пісні Cave під час розмови з Kerrang!:
«Ця співачка має чудовий голос. Що, це хлопець? Ого, несподівано. Вибачаюся перед виконавцем — не очікував такого. Побачення тепер, мабуть, відпадає, але голос у нього справді чудовий. Коли слухаю його спів, ніби хтось лоскоче пір’їнкою десь унизу.»
Багато експертів зосередились на порівнянні Muse та Radiohead. NME, один із найвпливовіших британських тижневиків, присудив альбому оцінку 6/10. У рецензії йшлося про те, що Showbiz «не такий розумний, як вони про себе думають», а текст Unintended надмірний та взагалі «жахлива псевдопоезія». Проте, навіть у своїй зневазі, критики вловили суть того, що мало статися.
Pitchfork оцінив LP на 6.7: рецензія стверджує, що альбому бракує емоційної глибини, і що 19-річні учасники гурту просто не мають життєвого досвіду для такої музики. Самі пісні описані як «майстерне виварювання Radiohead» з незграбними аранжуваннями («бас, намальований по цифрах»). Критиці також піддалася «банальна» і «жахлива», надмірно оброблена обкладинка. У висновку Pitchfork прогнозує, що Muse — це тимчасове явище, яке, лише задовольняє попит фанатів Radiohead в очікуванні їхнього наступного релізу, після чого Muse будуть неминуче забуті.
Ця рання критична зневага та звинувачення в наслідуванні слугували не гальмом, а потужним каталізатором. Вона стала прямим викликом, який змусив гурт вивільнити звук, який вони стримували, на своєму наступному, проривному альбомі.
Origin of symmetry. Справжній прорив Muse
Другий студійний альбом Origin of Symmetry, випущений 18 червня 2001 р., став не просто продовженням, а рішучою та театральною відповіддю на критичний прийом їхнього дебюту. Якщо Showbiz був представленням гурту, обтяженим сумнівами та порівняннями, Origin of Symmetry став вибуховою декларацією про наміри. Альбом миттєво продемонстрував комерційний злет, дебютувавши на 3-й позиції у британському чарті — разючий стрибок у порівнянні з 29-м місцем Showbiz.
Музично альбом став свідомою «зміною напрямку». Гурт класифікував його як «альтернативний рок, прогресивний рок, спейс-рок та хард-рок». Меттью Белламі заявив, що метою було продемонструвати «важчі рок-елементи та ексцентричні елементи», які були «відфільтровані» з Showbiz. Ця зміна була очевидною: гітарна робота Белламі відійшла від нашарувань на користь простіших, але «набагато потужніших на слух» партій, тоді як бас Кріса Волстенголма став помітнішим. Рифф з Plug in baby можна сміло вважати одним з найвпізнаваніших, а весь трек New Born став класикою для фанатів гурту, розкриття впливу технологій на людину з використанням і гітари, і клавішних навичок Метта назавжди увійшли в історію.
Назва альбому була натхненна книгою теоретика-фізика Мічіо Каку Hyperspace. Каку припустив, що майбутнє відкриття суперсиметрії матиме такий самий пояснювальний вплив, як дарвінівське Походження видів, і книга про нього має називатися Origin of symmetry. Белламі вхопився за цю концепцію, описавши альбом як дослідження «геометрії всесвіту і того, як усе перебуває в прекрасному балансі, ідеальна річ у десяти вимірах».
Він прямо пов'язав цей науковий пошук із теологією, заявивши: «з’ясувати, звідки походить стабільність, означало б з’ясувати, чи існує Бог». Ця гіперінтелектуальна основа стала прямою відсіччю критикам Showbiz, які стверджували, що гурт «не такий розумний, як вони про себе думають».
Зміна вектору гурту була добре видима на самій музиці. На зміну гранжу прийшла класика. Твори Сергія Рахманінова, зокрема його Фортепіанний концерт №2, мали значний вплив на написання пісень, особливо Space Dementia та Megalomania, де гурт застосував орган. Водночас Plug In Baby містить алюзії на Токату й Баха. Це був свідомий крок до високого мистецтва, що мав на меті дистанціюватися від будь-яких звинувачень у тому, що вони є простою «виваркою Radiohead».
Ця художня еволюція стала можливою завдяки фундаментальній зміні в психології гурту. Белламі описав запис Showbiz як «трохи млявий процес», що характеризувався «великою кількістю сумнівів». На противагу цьому, до Origin of Symmetry вони підійшли з «позитивною недбалістю» і «без зайвих сумнівів».
Навіть обкладинка була концептуальним проектом. Гурт зробив 14-ом різним художникам замовлення створити твір на тему Origin of Symmetry. Белламі пояснив: «...навіть якщо кожна робота виконана в радикально іншому стилі, ви відчуваєте певну неперервність через сприйняття однієї теми різними людьми». Остаточна робота Вільяма Ігера стала обкладинкою, тоді як інші були використані для синглів.
Критика
Реакція критиків на Origin of Symmetry була повною протилежністю «змішаному» прийому Showbiz. Хоч більшість оцінили альбом позитивно, у майбутньому вносячи його до переліку найкращих за все століття, реакція була поляризованою; це й стало найбільшим доказом успіху гурту у створенні унікальної ідентичності.
NME, який раніше висміював їх, тепер був у захваті, присудивши 9/10 і проголосивши їхній звук «неокласичним, високим готичним майбутнім роком». Вони визнали, що Muse можуть впоратися зі своїми «брутальними аріями». Q та Kerrang! також назвали його одним із найкращих альбомів 2001 р.
Проте, на іншому полюсі, The Guardian дали альбому 1 зірку, назвавши його «неймовірно роздутим, самовпевненим і жахливим». Вони атакувала Space Dementia за «пишність, від якої відмовився б навіть Рік Вейкман». Парадоксально, але ця нищівна рецензія стала остаточною перемогою Muse. Критична зброя змістилася: їх більше не звинувачували в тому, що вони є «клоном Radiohead»; їх тепер зневажали за те, що вони схожі на Ріка Вейкмана — короля прогресивного року 70-х. Гурт успішно змінив наратив і змусив критиків судити їх за їхніми власними «роздутими» умовами.
Американський лейбл гурту Maverick Records який випустив Showbiz, відмовився випускати Origin of Symmetry у США. Причина? Вони вимагали, щоб Белламі «перезаписав альбом з меншим фальцетом», щоб зробити його більш «дружнім до радіо в Америці». Гурт епохи Showbiz, сповнений «сумнівів», міг би піти на компроміс — гурт епохи Origin of Symmetry, відмовився. Вони розірвали контракт із Maverick. У результаті альбом не був офіційно випущений у США до 2005 р., коли успіх Absolution зробив їхню позицію незаперечною.
Головна мета Origin of Symmetry — знищити ярлик «клонів» — була повністю досягнута. Журнал Q писав, що постійні порівняння з Radiohead, які переслідували гурт: «тепер здаються майже застарілими». Аналітики та шанувальники погодилися: «Origin of Symmetry не звучить як Radiohead». Єдиний залишений зв'язок, який визнавали критики, — це те, що і Белламі, і Том Йорк перебували під впливом Джеффа Баклі, а не один одного.
Pitchfork, видання, яке так зневажливо відгукнулося про Showbiz (6.7/10), не рецензувало OoS у 2001 р. (що логічно, враховуючи відсутність релізу в США). Однак згодом вони присудили альбому ретроспективну оцінку 8.3/10 у своїй рубриці «Sunday Review», повністю відійшовши від насмішок епохи Showbiz.
Зрештою, Origin of Symmetry став проривним альбомом гурту. Найкраще всю цю епоху підсумував сам Меттью Белламі в цитаті того часу, яка демонструє його повне усвідомлення того, що вони роблять:
«Деякі люди думатимуть, що це купа претензійного онанізму, а деяким сподобається, тому що це щось інше...».
Hullabaloo Soundtrack
Випущений 1 липня 2002 р., Hullabaloo Soundtrack став ключовим проміжним релізом, який закріпив репутацію Muse, що стрімко зростала. Це була не просто компіляція, а подвійний альбом, що продемонстрував дві окремі сторони гурту. Перший диск зібрав високо ціновані B-сайди з епох Showbiz та Origin of Symmetry. Другий диск став чистим, необробленим записом наживо, що зберіг первісну силу їхнього виступу в Le Zénith у Парижі у 2001 р.
Цей реліз був надзвичайно важливим. По-перше, він отримав 10 місце в чарті Великобританії — значне досягнення для збірки B-сайдів та концертного альбому. По-друге, він офіційно задокументував їхній вибуховий живий виступ, який став центральним елементом їхньої ідентичності; того ж року вони здобули нагороду Kerrang! Award у номінації «Best Live Band». Нарешті, Hullabaloo слугував мостом між проривом Origin of Symmetry та прийдешнім Absolution, довівши, що гурт може писати як 7-хвилинні епопеї, так і доступніші рок-треки на кшталт нового синглу Dead Star, що вийшов на супровідному EP.
Absolution
Absolution — третій альбом Muse, випущений у вересні 2003 р. Пісні, представлені на Absolution, були написані під час гастролей гурту на підтримку Origin of Symmetry та Hullabaloo, а деякі пісні, як-от Fury, з'явилися ще на початку 2000-х. Як і попередній альбом Origin of Symmetry, Absolution зазнав впливу класичних композиторів, таких як Сергій Рахманінов та Семюел Барбер, тоді як Endlessly представляє більш електронне звучання з такими піснями, як The Small Print та Thoughts of a Dying Atheist, що є гітарно-орієнтованими.
На початку альбому Метт почав писати пісні про буденні справи вдома, за його словами:
«Showbiz був трохи підлітковим», Origin of Symmetry був про те, що ми постійно в турі, втрачаємо зв'язок з родиною та друзями, тож ми не знаємо, хто ми окремо один від одного, і навіть самі не знаємо, хто ми, і Absolution — це більше про нас як особистостей, про те, що ми звичайні люди вдома».
Метт зазначив, що почав відчувати сильні перепади настрою в студії, оскільки гурт перебував під великим тиском через сумніви щодо напрямку, в якому слід рухатися з альбомом, аж до того, що йому навіть снилося, ніби його підвісили за щиколотки й били по підошвах ніг.
«Альбом переходить від найдивовижнішої музики, яку я чув у своєму житті, до найбезглуздішого шматка лайна, який я коли-небудь чув, протягом пари хвилин. Я коливався між крайнощами сумніву та абсолютної впевненості. Бувають моменти, коли решта гурту, продюсер і асистент продюсера дивляться один на одного і думають: “Якого біса ми робимо? Ми зовсім з глузду з'їхали?”».
На відміну від попередніх альбомів, Absolution мав дуже похмуру тему — кінець світу, а також реакції на цю ситуацію. Ця тема значною мірою походить від постійного інтересу Метта до теорій змови, теології, науки, футуризму, комп'ютерів та надприродного. До того ж, написання альбому припало на події глобальної параної, теракту 9/11 та подальшої війни в Іраку.
Дом зазначив:
«Кінець світу — це досить жахлива і тривожна річ. У нас є багато пісень про те, що, можливо, все добігає кінця. Чи то кінець світу, чи кінець стосунків, чи кінець твоєї роботи». З такими піснями, як «Butterflies and Hurricanes» як протилежністю, оскільки ця пісня про «пошук надії та боротьбу, щоб зробити найкраще з ситуацій».
Для втілення нового звуку гурт залучив продюсера Річа Кості. Це був свідомий вибір, спрямований на вирішення конкретної проблеми. Кості, відомий своєю роботою з Rage Against the Machine та Audioslave, був майстром «приборкання» потужного, хаотичного та технічно складного року. Його завданням було не розбавити Muse, а, навпаки, сфокусувати їхню енергію, надати їй гостроти та чіткості, необхідної для мейнстріму, особливо, для американського. Це була спроба завоювати ринок США, але на власних умовах Muse, з усім фальцетом і всією пишністю.
Разом з альбомом Muse випустили два сингли: Stockholm Syndrome, який можна було завантажити лише з їхнього веб-сайту, та Time Is Running Out, який виявився їхнім проривним хітом і піднявся до 8-го місця в чартах Великобританії.
Muse нарешті отримали широке визнання критиків у Британії, і з урахуванням нового американського контракту на запис, вони розпочали своє перше міжнародне стадіонне турне, із зупинками в Австралії, Новій Зеландії, Сполучених Штатах, Канаді, Франції, Японії та багатьох інших країнах.
Наприкінці плідного 2003 р. Muse випустили ще один сингл Hysteria, який отримав визнання критиків завдяки видатній басовій лінії і також став невід'ємною частиною виступів гурту.
Музичне різноманіття та безшовна структура
Альбом Absolution став остаточним доказом тези, що Muse «вміє робити будь-що». Платівка побудована на максимальних динамічних контрастах. Вона коливається від грандіозних оркестрових крещендо (Apocalypse Please, Butterflies and Hurricanes) до крихких, майже прозорих балад (Blackout, Endlessly). Технічні навички тріо тут розкриваються повною мірою: від канонічної, складної бас-партії Кріса Волстенхолма в Hysteria, яка стала еталоном для жанру, до повноцінної фортепіанної частини в стилі Рахманінова, яку Белламі інтегрував у Butterflies and Hurricanes.
Проте головна художня сила Absolution полягає не в окремих треках, а в його безшовній, кінематографічній структурі. Це не збірка пісень, а цілісний твір, призначений для прослуховування від початку до кінця. Альбом відкривається не музикою, а мілітаристським звуком — маршируючими чоботами, які створюють атмосферу військової тривоги перед тим, як слухача приголомшують перші акорди фортепіано Apocalypse Please.
Ключовим моментом альбому є перехід між Interlude та Hysteria. Короткий, ніжний Interlude, заснований на Адажіо з Трьох п'єс для органа Семюеля Барбера, слугує фальшивим моментом спокою, острівцем крихкої краси. Цей момент миттєво та жорстоко розривається одним із найвідоміших басових рифів в історії року. Цей перехід — не просто технічний трюк, це основа всього альбому, його центральна тема: краса, приречена на руйнування, крихкість любові перед обличчям неминучого хаосу та параної. Багато треків, як-от Stockholm Syndrome та Falling Away with You, плавно перетікають один в одного, створюючи безперервний потік свідомості, де один кошмар змінюється іншим без паузи на подих.
Критика
Наратив, що переслідував Muse з часів Showbiz — звинувачення у «псевдопоезії» та порівняння з Radiohead — остаточно розвалився з виходом Absolution. Критики, які раніше висміювали їхню «роздутість», нарешті здалися. Вони прийняли «помпезність» як фірмовий знак гурту.
NME, який раніше зневажливо ставився до дебютника гурту, тепер присудив Absolution 9/10, проголошуючи його «колосальним» та «титанічним». У 2005 р. альбом Absolution посів 345 місце у списку 500 найкращих рок- та метал-альбомів усіх часів журналу Rock Hard. Q Magazine назвав альбом «екстраординарним». Найголовніше — порівняння змінилися. Критики припинили згадувати Radiohead і почали порівнювати Muse з Queen та титанами прогресивного року 70-х, але цього разу — як найвищий комплімент.
Комерційний успіх був приголомшливим: альбом дебютував на першому місці у британському чарті, ставши їхнім першим релізом, що очолив рейтинги, і остаточно закріпив статус Muse як хедлайнерів. Але справжній тріумф відбувся в США. Absolution став першим альбомом Muse, що потрапив до чарту Billboard 200. Сингли Time Is Running Out та Hysteria досягли значного успіху в американському альтернативному радіоефірі. Вони також здобули Q Innovation Award, а на церемонії Kerrang! Awards отримали нагороди Best Album та Best British Band. Це була остаточна перемога у суперечці з Maverick Records: Muse довели, що їм не потрібно було «прибирати фальцет». Їхня безкомпромісна, «вражаюче безглузда» візія була не просто прийнята — вона стала їхнім квитком до глобального успіху. Вони перемогли, подвоївши ставки на все, за що їх раніше критикували.
Glastonbury (2004) – Трагедія і Тріумф на «Найкращому концерті всіх часів»
Якщо Absolution зробив Muse суперзірками, то виступ на фестивалі Glastonbury у 2004 р. мав стати їхньою коронацією. Для будь-якого британського гурту виступ хедлайнером на головній сцені — це не просто концерт. Це культурний ритуал, момент остаточного визнання.
У 2004 р. Muse, озброєні арсеналом гімнів з Origin of Symmetry та Absolution, піднялися на цю сцену на абсолютному піку своєї концертної форми, демонструючи те неймовірне вміння проводити живі виступи. Виступ був бездоганним — точний, драматичний і технічно досконалий. У наступні роки численні опитування, зокрема проведені NME, неодноразово називали цей виступ «найкращим хедлайнерським сетом в історії Glastonbury». Це був абсолютний, незаперечний професійний тріумф.
Проте одразу після того, як гурт зійшов зі сцени, перебуваючи в стані ейфорії від «найкращого концерту в їхньому житті», вони отримали жахливу новину.
Вільям Говард, батько барабанщика Домініка Говарда, був у натовпі, щоб на власні очі побачити тріумф свого сина. Одразу після закінчення сету він переніс масивний серцевий напад і помер на місці, на полі фестивалю.
Ця подія є найжорстокішим втіленням дихотомії, що лежить в основі гурту. Це не просто сумна історія; це сценарій, гідний давньогрецької трагедії. Найвища точка професійного успіху гурту та найнижча точка особистої трагедії одного з його учасників сталися одночасно, буквально в одну й ту ж годину, в одному й тому ж місці.
Від Апокаліпсису до Вемблі: Як Black Holes and Revelations та «Сутінки» Зробили Muse Глобальними Суперзірками
Випущений у 2006 р., четвертий студійний альбом Muse Black Holes and Revelations, став не просто еволюцією, а свідомою та стратегічною революцією для гурту. Після успіху Absolution 2003 р., який закріпив їхній статус хедлайнерів європейських фестивалів, BH&R ознаменував радикальну зміну масштабу та звуку. Гурт свідомо відійшов від суто меланхолійного альтернативного року, що домінував у їхніх попередніх роботах.
Натомість альбом представив еклектичну суміш електронної музики, денс-року, фанку та «космічного року». Впливи були надзвичайно різноманітними: від Depeche Mode та Прінса (особливо помітно у Supermassive Black Hole) до бельгійських гуртів, таких як Millionaire, і навіть традиційної музики південної Італії.
Альбом безшовно переходить від синт-року Map of the Problematique до подібного до гімну Invincible, який вирізняється унікальним електронним гітарним соло. Ця легкість контрастує з необробленою, важкою агресією Assassin. Водночас альбом занурюється у глибоку ліричність із Hoodoo, що поєднує в собі іспанські гітарні мотиви та емоційну фортепіанну секцію.
Зміна звучання була одразу помічена критиками, які зосередилися на новій «бомбастичності» альбому. Rolling Stone назвав його «одним з найбільш перебільшених записів року». Entertainment Weekly погодився, описавши його як «банальний і бомбастичний... але також амбітний, бездоганно побудований», припустивши: «якщо прог — це новий панк, ці хлопці — його Green Day». NME підсумував це як «сміховинний, перебільшений, амбітний і абсолютно блискучий альбом».
Однак ця «бомбастичність» була не побічним ефектом, а, імовірно, самою метою. Альбом був не просто стилістичною вправою; це була стратегічна зміна масштабу. Аналіз показує, що Muse створили альбом, який звучав так, як вимагає стадіон. Епічний характер музики ідеально збігався з видовищністю, яку гурт незабаром продемонструє на Вемблі. Muse не просто грали новий альбом на стадіоні; вони написали альбом, який був призначений для стадіону.
Зростання популярності гурту після виходу BH&R було не просто відчутним, його можна виміряти у конкретних показниках.
Альбом отримав загалом схвальні відгуки, набравши 75 балів зі 100 на Metacritic на основі 32 рецензій. Що ще важливіше, він отримав номінацію на престижну Mercury Prize 2 та був включений до впливової книги 1001 Albums You Must Hear Before You Die. Гурт також здобув низку нагород, зокрема на MTV Europe Music Awards (Найкращий Альтернативний гурт 2006 року, Найкращий Хедлайнер та Найкращий гурт UK & Ireland 2007 року) та GAFFA Awards (Найкращий Іноземний Гурт 2006 року).
Саме в комерційній активності стрибок популярності стає найбільш очевидним:
Велика Британія: Альбом дебютував на першому місці у UK Albums Chart, протримавшись на вершині два тижні. Зрештою, альбом досяг чотириразового платинового статусу у Великій Британії.
США: Найважливіший показник глобального зростання. BH&R дебютував на дев'ятому місці у чарті Billboard 200. Це був перший в історії Muse альбом, що потрапив у Top-10 у США. Згодом він також став платиновим у Сполучених Штатах.
Світ: Альбом очолив чарти у п'яти країнах (включаючи Австралію та Швейцарію). Станом на 2018 рік світові продажі перевищили 4.5 мільйона копій.
Успіх синглів
Сингли з альбому стали самостійними двигунами популярності:
Supermassive Black Hole: Як головний сингл, він досяг 4-го місця у UK Singles Chart. На той час це був найвищий показник гурту в британському чарті синглів.
Starlight: Цей сингл став ключем до американського ринку. Він досяг 2-го місця у чарті Billboard Modern Rock Tracks, ставши найпопулярнішим синглом Muse у США на той момент.
Knights of Cydonia: Окрім потрапляння до Top-10 у Великій Британії та США (Modern Rock) , пісня стала феноменом в Австралії, посівши перше місце у Triple J Hottest 100 за 2007 рік.
Космо-рок-опера-вестерн Knights of Cydonia та спадщина The Tornados
Knights of Cydonia, 6-хвилинний епічний трек, що закриває альбом, є, мабуть, квінтесенцією всієї естетики Black Holes and Revelations. Це амбітна суміш жанрів, що включає альтернативний рок, прогресивний метал, серф-рок та спейс-рок. Як описав басист Кріс Волстенголм, це «40 років історії року за шість хвилин».
Тематично пісня ідеально поєднує дві половини назви альбому: Black Holes (назва посилається на регіон Кідонія на Марсі, відомий «Обличчям на Марсі») та «Revelations» (абстрактний, але пристрасний текст про боротьбу «за наші права»). Вона одночасно ретро і футуристична, технічно складна і «бомбастична» — ідеальна теза для всього альбому.
Найглибший рівень впливу в Knights of Cydonia є особистим і сягає корінням у власну родину Метта Белламі. Його батько, Джордж Белламі, був ритм-гітаристом у гурті 1960-х The Tornados.
Метт Белламі багаторазово підтверджував, що гітарний звук у Knights of Cydonia був свідомою даниною та прямим впливом Telstar. Барабанщик Домінік Говард згадував, що гурт активно «намагався зобразити подорож, змусити її звучати як Джо Мік». Метт також зазначав, що хотів принести більше інструментальних, «абстрактних» моментів у стилі гурту свого батька. Пісня має «разючу схожість» не лише з Telstar, але й з іншою композицією Джорджа Белламі під назвою Ridin' the Wind.
Це не просто відсилання, це символічне завершення музичної подорожі, розпочатої батьком Метта. Гурт Джорджа Белламі The Tornados став першим британським гуртом, що «завоював» Америку з хітом №1 у 1962 р. У 2006 р. гурт Метта Белламі Muse здійснював власне завоювання Америки, вперше потрапивши у Top-10 з альбомом BH&R.
Коронація на «Вемблі»: Завоювання Статусу Стадіонного Гурту
«Перший гурт, що розпродав новий Вемблі»
Абсолютним доказом стрибка популярності, спричиненого BH&R, стали два легендарні концерти на стадіоні «Вемблі» у 2007 р. Існує важливий нюанс щодо їхньої «першості». Muse стали першим гуртом, який анонсував концерт на нещодавно відбудованому стадіоні. Концерт був призначений на 16 червня 2007 р.
Попит був безпрецедентним. Квитки на перший концерт (загальною місткістю 90 000 осіб) були розпродані миттєво. Це змусило гурт негайно додати другу дату — 17 червня. Таким чином, Muse стали першим гуртом, який повністю заповнив новий гігантський майданчик.
Технічно, першим артистом, який виступив на новому «Вемблі», був Джордж Майкл 9 червня 2007 р., проте культурне значення цих подій різне. Виступ Джорджа Майкла був частиною туру greatest hits визнаної поп-легенди. Виступи Muse, навпаки, були кульмінацією туру на підтримку поточного, надзвичайно актуального альбому. Здатність рок-гурту на піку своєї творчої та комерційної могутності продати 180 000 квитків на два вечори стала набагато гучнішою заявою про стан сучасної музики. Це довело, що попит, згенерований BH&R, був на раніше небаченому рівні, і що Muse офіційно зайняли місце, яке раніше належало таким іконам, як Queen та U2.
Самі шоу були фізичною маніфестацією «бомбастичності» альбому. Продакшн був величезним: гурт з'явився на високій підйомній платформі, оточений димом та конфетті, а потім пройшов крізь натовп у супроводі людей у жовтих костюмах хімічного захисту.
Показовим був вибір пісні для відкриття. Замість короткого, впізнаваного хіта, 90-тисячний стадіон зустрів 6-хвилинний, багаточастинний прог-рок-вестерн Knights of Cydonia. Це був найвищий прояв упевненості. Цей вибір миттєво встановив планку: це буде не просто концерт, а спектакль. Це була впевненість, яку гурту надав лише беззаперечний успіх BH&R.
Ці два виступи були записані та випущені як концертний альбом та DVD HAARP. Який і сам став успішним, зрештою отримавши 40-ве місце в списку найкращих концертних альбомів усіх часів за версією NME.
Однак остаточним доказом тріумфу стала спадщина цих концертів. У 2011 р. в онлайн-опитуванні, проведеному wembleystadium.com серед понад 55 000 виборців, виступи Muse 2007 р. в рамках туру HAARP були визнані «Найвеличнішою Подією» в історії «Вемблі». Це означає, що в пам'яті фанатів ці концерти перевершили такі моменти, як легендарний виступ Queen у 1986 р., Bad Tour Майкла Джексона 1988 р. і навіть перемогу Англії на Чемпіонаті світу 1966 р. Це демонструє неймовірний рівень міфотворчості та відданості фанатів, згенерований цією ерою.
Неочікуваний союзник: «Сутінки» та Завоювання Америки
Якщо «Вемблі» коронував Muse у Великій Британії та Європі, то їхнє остаточне завоювання Америки отримало несподіваного, але надзвичайно потужного союзника. У 2008 р., через два роки після виходу BH&R, пісня Supermassive Black Hole» (SBH) була помітно представлена у фільмі-блокбастері Сутінки.
Пісня супроводжувала культову сцену гри вампірів у бейсбол. Цей вибір не був випадковим: авторка саги, Стефані Маєр, є відомою прихильницею Muse, і її книги містили численні посилання на гурт, що зробило їх «гімнами для фанатів серії». Фанк-роковий та «моторошний» характер SBH ідеально підійшов до готично-молодіжної естетики фільму.
«Табу Сутінок»
Фільм «Сутінки» став глобальним культурним феноменом і спрацював як gateway song. Він представив Muse абсолютно новій, масовій та демографічно відмінній аудиторії — набагато молодшій та здебільшого жіночій, особливо у США.
Цей раптовий приплив спричинив «різку зміну» у фан-спільноті та породив внутрішню напругу, яку можна охарактеризувати як «табу Сутінок».
«Старі» фанати, які прийшли з епохи «темніших» альбомів Origin of Symmetry та Absolution, часто зневажливо ставилися до тих, хто «прийшов через Сутінки».
Новим фанатам, у свою чергу, було «соромно» або «незручно» визнавати, що вони відкрили для себе гурт через цей фільм.
Проте попри внутрішні суперечки фанатів, вплив Сутінок на закріплення успіху Muse в США неможливо переоцінити. Це був ідеальний двохетапний процес:
У 2006 р. BH&R та сингл Starlight дали Muse органічний прорив у США, забезпечивши їм перший Top-10 альбом та хіт на Modern Rock Radio. Це був успіх у рок-середовищі.
У 2008 р. Сутінки стали поп-культурним прискорювачем. Вони винесли Muse зі сфери радіо у загальнонаціональний мейнстрім.
Ця «ера після Сутінок» змінила сприйняття гурту та забезпечила їм комерційну стійкість у США, що дозволило їхньому наступному альбому The Resistance дебютувати одразу на першому місці американського чарту.
The Resistance — найбільший поворот та успіх Muse
Щоб зрозуміти монументальний зсув, який представляв собою The Resistance 2009 р., необхідно спочатку повернутися до його безпосереднього попередника, Black Holes and Revelations. Цей четвертий студійний альбом не був початком кар'єри Muse, але він став початком їхнього переходу від статусу культового прог-рок гурту до глобальних стадіонних гігантів, заклавши стилістичний та комерційний фундамент для амбіцій The Resistance.
Black Holes and Revelations, випущений 3 липня 2006 р., ознаменував свідомий відхід від більш сирого, гітарно-фортепіанного звучання Absolution. Альбом був класифікований не лише як альтернативний та прогресивний рок, але й, що важливо, як «електронний рок».
BH&R був, по суті, тестовим полігоном. Це була перевірка гіпотези: чи може гурт, відомий своєю майже класичною складністю та оперним вокалом, успішно інтегрувати диско, фанк та синт-поп, не втративши своєї основної аудиторії? Відповідь була ствердною. Альбом використовував електроніку для доповнення року. Цей успіх дав Muse не просто фінансову, але й творчу ліцензію на те, щоб на наступному альбомі довести цей експеримент до його логічного завершення, де електроніка іноді замінювала б рок.
Досягнувши вершини живого виступу з HAARP, гурт більше не міг просто «повернутися до студії» і записати стандартний 10-трековий рок-альбом. Будь-який не більш амбітний наступний крок, був би сприйнятий як регрес.
Таким чином, The Resistance — із рішенням самостійно продюсувати альбом, 13-хвилинною симфонією та записом у будинку класичного композитора — став не просто черговим експериментом. Це була необхідна ескалація для гурту, якому більше не було куди рости у традиційних рамках стадіонного року. Альбом мусив відповідати масштабу їхнього живого шоу.
Випущений 14 вересня 2009 р, The Resistance став п'ятим студійним альбомом гурту і прямою відповіддю на виклик, який вони самі собі кинули.
«Студія» Вінченцо Белліні: Запис на Озері Комо
Вибір місця запису альбому був не логістичним, а глибоко символічним та художнім. The Resistance був записаний у 2008-2009 рр. у Мольтразіо, біля озера Комо, Італія. Це була не просто орендована студія; це був власний будинок Меттью Белламі.
Найважливіша деталь полягає в тому, що ця вілла раніше була домом відомого італійського оперного композитора XIX століття Вінченцо Белліні.
Цей акт психогеографії є ключем до розуміння альбому. Ця ізоляція та історичний резонанс (Белламі в будинку Белліні) надали йому творчої впевненості, щоб відмовитися від зовнішнього продюсера та вперше просувати альбом самостійно, а також особисто аранжувати оркестр з 40 музикантів для фінальної симфонії альбому.
Самопродюсування та Електронний Перехід (R&B/Диско)
Свобода самопродюсування означала відсутність зовнішнього фільтра. Це призвело до одночасної радикалізації двох протилежних напрямків гурту: їхнього потягу до поп-музики та їхнього потягу до класичної пишності.
З одного боку, Белламі описав альбом як такий, що починається з «акценту на ритмі та сучасному R&B». Це найбільш очевидно в треку Undisclosed Desires. Ця пісня стала першою в історії Muse, де Белламі не грає ані на гітарі, ані на піаніно. Вона використовує запрограмовану драм-машину та представляє перше в дискографії гурту використання слеп-басу Крісом Волстенхолмом.
Подібним чином, головний сингл Uprising побудований на глем-диско-біті, електронний хук якого порівнювали з Call Me гурту Blondie.
Коментар Кріса Волстенхолма (хоч і про іншу пісню) ідеально ілюструє філософію гурту:
«Ми хотіли створити таке синтезаторне звучання, не використовуючи синтезатори... ми придумали басовий звук, який майже звучав як синт, але ним не був».
З іншого боку, та ж сама свобода дозволила створити 13-хвилинну класичну Exogenesis Symphony. Таким чином, самопродюсування є прямою причиною «поляризації» альбому: воно створило їхні найбільш комерційно доступні, не-рокові пісні та їхній найбільш амбітний, некомерційний твір на одному диску.
Вплив класики на The Resistance виходить далеко за рамки простого натхнення він стає активним діалогом та інструментом.
Найяскравіший приклад United States of Eurasia. В інтерв'ю перед релізом альбому, Метью Белламі розповів, що на створення пісні повпливала Велика шахівниця Збігнєва Бжезінського, пояснивши, що «Бжезінський дотримується точки зору, що Євразійський континент, тобто Європа, Азія та Близький Схід, повинні контролюватися Америкою для забезпечення постачання нафти». Белламі далі припускає, що на пісню також вплинув роман Джорджа Орвелла 1984, у якому Євразія є однією з трьох наддержав Землі .
Сам трек є бомбастичним омажем Queen та Фредді Мерк'юрі, з музичними впливами Равеля та Чайковського. Однак наприкінці трек безшовно переходить у інструментальне фортепіанне соло під назвою Collateral Damage. Цей твір є прямим аранжуванням Ноктюрну мі-бемоль мажор, Op. 9, No. 2 Фридерика Шопена.
Белламі пояснює, що назва Collateral Damage — це «холодний термін, який використовують політики та ЗМІ для тривіалізації вбивства абсолютно невинних людей на війні». Шопенівський ноктюрн є квінтесенцією романтичної краси, невинності та інтимності. Muse свідомо зіштовхує ці дві концепції: вони беруть загальновизнаний символ краси та невинності і насильно дають йому ім'я сучасного військового злочину. Щоб зробити цей коментар буквальним, аранжування додає звуки граючих дітей, а потім реактивного винищувача, що скидає бомби в кінці.
Це використання класичної музики для того, щоб змусити слухача відчути емоційну вагу дегуманізованої мови війни. Ця інтеграція з класикою продовжується в інших місцях: трек I Belong to You містить уривок (Mon Cœur S'ouvre à Ta Voix) з опери Самсон і Даліла Каміля Сен-Санса.
Альбом мав феноменальний комерційний успіх. Він досяг №1 в 19 країнах, що було безпрецедентним для гурту.
Що ще важливіше, це був їхній проривний альбом у Сполучених Штатах, де він дебютував на №3 у чарті Billboard 200, продавши 128 000 копій за перший тиждень. Сингл Uprising став їхнім першим хітом у Billboard Hot 100, досягнувши топ-40.
Найвищим визнанням стала перемога в номінації «Найкращий рок-альбом» на 53-й церемонії Греммі у 2011 р.
Ця перемога висвітлює великий парадокс Греммі: The Resistance здобув перемогу в номінації «Найкращий Рок-Альбом», будучи, можливо, найменш традиційним «рок-альбомом» Muse. Його ключові треки були R&B-попом (Undisclosed Desires), диско (Uprising) та 13-хвилинною класичною симфонією. Перемога на Греммі свідчила не про те, що The Resistance був найкращим «роком», а про те, що Muse настільки розширили межі мейнстрімного року, що «рок» став означати масштаб, амбіції та гітарну гучність, а не жанрову чистоту.
Шедевр у Шедеврі – «Exogenesis: Symphony»
Фінальні три треки альбому складають єдиний твір Exogenesis: Symphony. Це була давня амбіція Белламі, який роками говорив про створення «15-хвилинного спейс-рок соло» або навіть «50-хвилинної симфонії».
У центрі симфонії лежить гіпотеза про те, що життя поширюється у Всесвіті. Наратив, описаний Белламі, є по суті науково-фантастичною історією:
(Overture) Людство стоїть на порозі загибелі і похмуро приймає свій кінець.
(Cross-Pollination) В останній відчайдушній спробі населення відправляє астронавтів у космос, щоб «поширити людство на іншу планету».
(Redemption) Астронавти досягають успіху, але усвідомлюють, що це «один великий цикл». Якщо людство фундаментально не зміниться, воно просто повторить свої руйнівні моделі на новому світі.
Белламі особисто аранжував оркестрові елементи, оскільки не хотів, щоб «аранжувальник струнних зробив це 'своїм'». Він чітко вказав на вплив композиторів епохи пізнього романтизму — Сергія Рахманінова та Ріхарда Штрауса, а також Шопена та Pink Floyd.
Exogenesis є тезою всієї кар'єри Muse до 2009 р. Це логічне завершення всіх їхніх тем (космос, апокаліпсис, класичне фортепіано). Це момент, коли Muse перестали бути рок-гуртом, що заграє з класикою (як у Collateral Damage), і стали авторами сучасної симфонічної рок-музики. Це був найризикованіший, найменш комерційний і, можливо, найщиріший твір в їхній дискографії.
Neutron Star Collision та Ефект «Сутінок»
17 травня 2010 р. Muse випустили Neutron Star Collision (Love Is Forever). Це був неальбомний сингл, записаний після The Resistance.
Пісня була синглом для саундтреку до фільму Сутінки. Затемнення. Як уже зазначалося раніше, Muse були улюбленим гуртом авторки саги, і їхня музика вже фігурувала в попередніх саундтреках.
Хоча пісня була написана Белламі про особистий розрив стосунків і містила всі класичні елементи Muse (фортепіанне інтро, арпеджіо, галопуючу перкусію), її асоціація з Сутінками викликала полярну реакцію.
«Старі фанати» гурту не надто позитивно сприйняли пісню. Її часто називали cheesy і зараховували до далеко не найкращих у дискографії гурту, проте зараз її вважають цілком хорошою.
Гурт рідко грав цю пісню наживо (лише дев'ять разів у 2010 р.), що свідчить про їхнє усвідомлення суперечливого статусу саундтреку. Для «старих фанатів», які цінували гурт за антиутопічні теми 1984 та композиційну складність Exogenesis, це виглядало дивно. Водночас для мільйонів нових фанатів саги Muse стали «гуртом із 'Сутінок'». Ця пісня миттєво розширила їхню американську аудиторію.
The 2nd Law: Жанровий експеримент
Випущений 1 жовтня 2012 р., The 2nd Law став першим справжнім випробуванням для фан-бази гурту після їхнього остаточного утвердження в статусі стадіонних гігантів. Альбом ознаменував радикальний стилістичний зсув, відійшовши від відносно цілісного прогресив-року The Resistance.
2nd law — це концептуальний альбом про планету, що занепадає і на якій її мешканці більше не можуть жити. Основні теми лірики включають колапс суспільства, тоталітаризм та другий закон термодинаміки, на який посилається назва. На обкладинці зображена карта шляхів людського мозку, взята з проекту Human Connectome Project.
The 2nd Law — це свідомо еклектичний запис, що поєднує «арт-рок, прогресив-рок та електронну музику». Впливи, зазначені гуртом, варіювалися від Queen і Девіда Боуї до американського дабстеп-продюсера Skrillex. Усе це змусило одного рецензента з The Gavel описати альбом як «договірний шлюб між Queen та Skrillex».
Цей зсув змусив Белламі зробити провокаційну заяву в інтерв'ю BBC:
«Гітара стала текстурним інструментом, а не провідним... і я думаю, що це, ймовірно, добре». Він висловив захоплення «змішуванням епох» та жанрів.
Альбом був навмисно роз'єднаним: він перестрибував від фанк-року в стилі Джиммі Гендрікса в Panic Station до поп-балади Madness, яка, попри початковий скептицизм, стала міжнародним хітом, побивши рекорд за тривалістю перебування на першому місці чарту Billboard Alternative Songs (19 тижнів). Що цікаво, пісня Survival стала гімном олімпіади 2012 р. у Лондоні.
Ця жанрова мішанина слугувала не стільки цілісним мистецьким висловлюванням, скільки полігоном для тестування нових звуків, які можна було б розгорнути наживо. Кожен жанр — фанк, дабстеп, кінематографічна оркестровка — надавав новий інструмент для візуального шоу.
Попри домінування електроніки, гітара Меттью Белламі, як і раніше, залишалася центральним елементом, хоч і в новому контексті. Белламі неодноразово називав Джимі Гендрікса одним зі своїх найбільших натхненників, поряд з Куртом Кобейном. Для Белламі спадщина Гендрікса полягає не стільки в блюзових рифах, скільки в його філософії: «свободі, експресії» та «відчутті дикої, нерозсудливої небезпеки». Гендрікс був «піонером у використанні самої студії як інструменту» , створюючи «спотворені звукові ландшафти».
Саме ця філософія звукового експериментаторства пронизує The 2nd Law. Найяскравішим гітарним моментом альбому є Supremacy. Цей трек, який порівнюють з темою до фільму про Джеймса Бонда та творчістю Led Zeppelin, побудований на «великому рифі для 7-струнної гітари». Його пишне оркестрування та драматичне гітарне соло є прямим втіленням хаотичної, але контрольованої енергії, яку Белламі так цінував у Гендрікса.
Ключовим елементом, який урівноважив холодну електронну амбітність альбому, став несподіваний вокальний та авторський дебют басиста Кріса Волстенголма. Він написав і виконав вокальні партії у двох піснях: Save Me та Liquid State. Ці треки стали глибоко особистою рефлексією на його «боротьбу з алкоголізмом». Цей крок мав вирішальне значення для динаміки гурту. Белламі зазначив, що Волстенголм, подолавши залежність, «здається таким енергійним у всьому», «ніби прокинувся».
Критика
Альбом отримав загалом позитивні відгуки після виходу. На Metacritic альбом отримав середню оцінку 70. Музичний критик BBC зазначив, що Muse: «подають себе в будь-якій формі, яка їм заманеться». У виданні The Observer у рубриці «Kitty Empire» також згадано про пихаті нахили Muse, заявивши:
«Белламі не бачить суперечностей у спробах свого гурту постійно піднімати абсурдність до 11 балів; нескінченне зростання, звичайно, є нестійким. Але поки що вони цілком спокійно ставляться до ідеї непристойної надмірної інфляції. І ми теж».
Алексіс Петрідіс з The Guardian оцінив альбом на чотири зірки з п'яти, заявивши, що
«ніхто не йде дивитися блокбастер через його глибину та глибоку характеристику персонажів. Вони цікавляться трюками та спецефектами, і те, й інше пропонує The 2nd Law»
Альбом мав дуже позитивні комерційні показники. Він дебютував на другому місці в Billboard 200 зі 102 000 проданих копій за перший тиждень, що дало Muse найвищий дебют у чартах за кар'єру в США. Він також дебютував на другому місці в Австралії, Німеччині, Ірландії, Кореї та Іспанії. Альбом забезпечив групі їхній четвертий дебют на першому місці у Великій Британії.
Альбом був номінований на найкращий рок-альбом на церемонії вручення премії «Греммі» 2013 р. Пісня Madness також була номінована на найкращу рок-пісню.
Альбом посів 46 місце у списку 50 найкращих альбомів 2012 р. за версією Rolling Stone, де зазначено:
«В епоху занижених очікувань Muse створюють пісні, що нищать стадіони, які поєднують спадщину Queen , King Crimson, Led Zeppelin та Radiohead, водночас змушуючи майже кожен інший сучасний гурт здаватись крихітним».
Live at Rome Olympic Stadium (2013) та тріумф видовища
Цей фільм, знятий на Олімпійському стадіоні в Римі перед 60 963 глядачами, був не просто записом концерту. Це була технологічна заява. Live at Rome Olympic Stadium став «першим в історії концертним фільмом, знятим у 4K UHD».
У 2013 році це була передова технологія. Гурт заявив, що це «безумовно шоу, яким ми найбільше пишаємося», і що 4K «захоплює надзвичайну кількість деталей». Muse позиціонували себе не просто як музикантів, а як інноваторів у сфері концертного продакшену.
Фільм зафіксував The Unsustainable Tour, літню стадіонну частину туру The 2nd Law. Цей тур мав найбільшу сцену з усіх турів Muse на той час, що являла собою «гігантську електростанцію».
Найважливіше те, що фільм реконтекстуалізував суперечливий матеріал The 2nd Law. Сетліст значною мірою спирався на цей альбом, включаючи 10 пісень. На сцені з'являлися актори, наприклад, «банкір», який кидав у натовп гроші Muse під час Animals.
Пісні, які критики на студійному записі називали «роздутими» або «смішними», наживо перетворювалися на центральні елементи видовища. Монументальне оркестрове крещендо Supremacy або дабстеповий хаос Unsustainable в поєднанні з масивною сценою та візуальними ефектами раптом набули сенсу. Live at Rome довів, що ці пісні були написані не для навушників, а для 60-тисячного стадіону. Він виправдав еклектичність The 2nd Law, продемонструвавши, що живий виступ був пріоритетом від самого початку.
Аналіз музичного стилю учасників Muse
Перед тим, як перейти до наступних альбомів, можемо трішки глибше зануритися в кожного учасника гурту окремо, розкривши їх сильні сторони та особливості.
Меттью Белламі – Архітектор Вокального, Інструментального та Тематичного Максималізму
Вокальний Стиль
Вокальний стиль Белламі є найбільш миттєво впізнаваним елементом гурту. Він визначається його драматичним, оперним використанням фальцету. Якщо на дебютному альбомі Showbiz цей фальцет мав меланхолійний відтінок, він швидко еволюціонував у потужний, театральний інструмент, що відповідає «Queen-подібному» пафосу музики.
Ця вокальна ідентичність не була випадковою. Белламі відкрито визнає, що його стиль був під впливом Джеффа Баклі. В інтерв'ю Белламі пояснював, що в епоху домінування Nirvana «було не круто співати фальцетом». Побачивши виступ Баклі, він побачив артиста, який «не боявся бути чоловіком з високим голосом». Альбом Баклі Grace довів Белламі, що високий, м'який голос може дуже добре працювати в рок-музиці , що допомогло йому відкритися і використовувати більш виразний та емоційний вокальний стиль. Зв'язок настільки глибокий, що Белламі врешті придбав гітару Баклі (Fender Telecaster 1983 року) не як реліквію, а щоб справді використовувати її та зберегти цю гітару частиною музики.
Таким чином, фальцет Белламі — це не просто стилістичний вибір, а ідеологічний. Це була свідома відмова від естетики гранжу на користь більш вразливої, але водночас більш виразної та оперної подачі. Цей вокальний стиль є ідеальним інструментом для його ліричних тем. Фальцет театралізує його «апокаліптичні науково-фантастичні» тексти про «повстання», піднімаючи їх з рівня вуличного протесту до рівня «космічної опери». Навіть його часті вдихи перед вокальними фразами є частиною цієї нестримної, емоційної подачі.
Гітарний Підхід: Синтез Хаосу та Контролю
Белламі — це модерністський гітарний герой, чия гра визначається поєднанням агресивних гітарних рифів та електроніки. Його унікальність полягає в інноваційній інтеграції технологій, що дозволяє його тону миттєво переходити від мелодійного до хаотичного.
Як він сам заявляв, в грі на гітарі його надихають Джиммі Гендрікс та Курт Кобейн, які довели, що хаос і є мелодією гітари, що досі показує Метью, поєднуючи мелодію з контрольованим хаосом.
До того ж, він застосовує сучасні технології, інтегруючи синтезатор в гітару та граючись з різноманітними педалями, що дозволяє йому творити той самий неповторний стиль.
Фортепіано та Клавішні: Романтизм у «Космічному Році»
Белламі є однаково обдарованим гітаристом і клавішником. Його гра на фортепіано пронизана класичними елементами. Метт славиться своєю любов'ю до класичних композиторів, але з важливим уточненням: він відкидає правильну класику 1750-х років, як-от Моцарта, надаючи перевагу емоційній вазі композиторів типу Філіпа Гласса та, особливо, композиторів епохи Романтизму: Ліста, Дебюссі, Шопена, Берліоза і, понад усе, Сергія Рахманінова.
Йогозахоплення Рахманіновим настільки глибоке, що воно межує з відвертим копіюванням. Критики та слухачі відзначають, що фортепіанні пасажі в Space Dementia та Butterflies and Hurricanes є очевидними відсиланнями до Другого фортепіанного концерту Рахманінова. Explorers також черпає звідти натхнення. Ця риса продовжується і в пізніх роботах, де можна почути вплив Баха, Бетховена та Чайковського. Його класичні амбіції досягли апогею в Exogenesis: Symphony.
Важливо, що Белламі запозичує з Романтизму не лише мелодії, але й його філософію максималізму. Епоха Романтизму визначалася емоційною надмірністю та пафосом. Коли Белламі імпортує масштаб та драматизм Рахманінова в рок-пісню, він об'єднує структурні амбіції класицизму 19-го століття з "Queen-подібним пафосом" прог-року 70-х, створюючи свій унікальний гібрид.
Ліричні Теми: Від Конспірології до Ентропії
Лірика Белламі є настільки ж «over-the-top», як і його музика. Тематичне ядро часто складається з урядового гніту та громадянських повстань, зловмисних еліт, антиутопій в стилі 1984 та апокаліптичної науково-фантастичної образності.
У період альбому The Resistance ці теми досягли піку. Белламі «заглибився в кролячу нору» і став тим, кого сьогодні називають «red-pilled». У свій час він просував теорії про те, що 9/11 було «внутрішньою роботою», і висловлював щире занепокоєння щодо астероїдів, що загрожують Землі. Він визнавав, що якби не музика, він, ймовірно, був би «повноцінним теоретиком змови», хоча й намагався не переходити межу до розмов про «ящірок, які контролюють світ».
Кріс Волстенголм – Мелодійний Фундамент та Особистий Катарсис
Якщо Белламі — це архітектор, то Кріс Волстенголм — це фундамент, але фундамент, який є таким же складним і мелодійним, як і сама будівля.
Басовий Стиль
Філософія гри Волстенголма визначає «over-the-top-ness» гурту. Він свідомо відкидає пасивну манеру, притаманну багатьом британським басистам. Він зазначав, що британським гуртам важко просто розслабитися і відриватися, але філософія Muse:
«Ми просто думаємо: "До біса це все, знаєте?"».
Як зазначає Белламі:
«Гітара і бас гармонізують; я не просто граю павер-акорди, а Кріс не просто грає основні ноти". Сам Волстенголм підтверджує, що у нього "більше свободи", оскільки бас повинен "заповнювати набагато більшу площу". Він грає "майже як ритм-гітара"».
Оскільки Белламі часто грає арпеджіо або рифи однією нотою, а не акордами, бас Волстенголма заповнює гармонійну порожнечу. Його басові лінії (Hysteria, Muscle Museum, Uprising) часто є основним мелодійним та гармонійним змістом пісні. Він, здебільшого, є частиною не ритм-, а гармонійної секції. Його фанкові та іконічні груви є такими ж провідними, як і гітара Белламі.
Боротьба з алкоголем: Save Me та Liquid State
Волстенголм відкрито розповів про свою важку боротьбу з алкоголізмом. Криза досягла абсолютного піку під час запису альбому The Resistance. В інтерв'ю NME він зізнався, що був «повністю неконтрольованим». Його пияцтво було настільки серйозним, що Белламі та Говард часто були змушені працювати над альбомом самі.
Його власні описи того періоду є нищівними: «Пити цілий день щодня — це досить погано». Він деталізував:
«Це коли ти доходиш до того моменту, коли розумієш, що не можеш функціонувати без цього, коли ти прокидаєшся вранці, тремтиш, і перше, що ти робиш, — це йдеш до холодильника і випиваєш пляшку вина. Ось наскільки все було погано. Я був неймовірно нездоровим, із зайвою вагою, просто руїною».
Мотивацією до змін стало усвідомлення того, що він йде тим самим шляхом, що і його батько, який «впив себе до смерті у віці 40 років». У віці 30 років Волстенголм зрозумів, що йому загрожує та ж доля.
Творчий Результат
За допомогою терапевта та сім'ї Волстенголм подолав залежність. Він перетворив цей травматичний досвід на дві пісні для альбому The 2nd Law — Save Me та Liquid State.
Це був поворотний момент для гурту. Це був перший випадок в історії Muse, коли Волстенголм виступив як автор тексту та головний вокаліст. В інтерв'ю він детально пояснив значення цих пісень, написаних одразу після того, як він кинув пити:
Liquid State була написана про «людину, якою ти стаєш, коли ти в стані інтоксикації, і про те, як ці дві особистості борються всередині тебе, і це розриває тебе на частини».
Save Me була про його родину. Він пояснив: «це про те, що в мене є сім'я, дружина та діти, і, незважаючи на все те лайно, через яке я їх провів... вони все ще поруч, і саме вони витягли мене».
Ці дві пісні є фундаментальним зсувом у динаміці гурту. До цього моменту лірика Muse була ексклюзивною вотчиною Белламі та його особистих (але абстрактних) тем. Волстенголм підтверджував: «Ми з Домом насправді не втручаємося».
Домінік Говард
Домінік Говард є рушійною силою за барабанами. Його стиль — це не просто утримання ритму, а гібридний двигун, що поєднує точність, потужність та жанрову гнучкість.
Стиль та Впливи
Стиль Говарда характеризується «динамікою, потужністю та точністю». Його набір впливів ідеально відображає еклектичний характер Muse. Він почав грати в 11 років і його кумири — це суміш протилежностей: Бадді Річ, Стюарт Коупленд, Дейв Грол, Джон Бонем, Роджер Тейлор.
Використання Говардом електроніки — це не просто модернізація, це інструмент груву. Фанк/диско-біт Supermassive Black Hole вимагає «смертельно точної» послідовності, як у драм-машини, але з «потужністю» рок-барабанщика. Він забезпечує ультра-витончену точність програмованого біту, залишаючись при цьому «рушійною силою» живого гурту.
Drones: Повернення до основ
Як пряма реакція на електронні експерименти The 2nd Law, Muse оголосили, що їхній сьомий альбом Drones стане поверненням до більш прямолінійного рок-звучання» та їхніх ранніх альбомів.
Щоб забезпечити це «повернення до витоків», гурт прийняв доленосне рішення: вперше після The Resistance відмовитися від самопродюсування та запросити легендарного продюсера Роберта Джона Матта Ланга. Ланг, відомий своєю роботою над мультиплатиновими рок-класиками, як-от Back in Black (AC/DC).
Його вплив був негайним. На відміну від The 2nd Law, де учасники гурту часто працювали окремо в апаратній, Ланг змусив їх грати разом у живому середовищі. Результатом став бездоганно чистий та потужний звук. Критики, які були прохолодними до T2L, визнали, що «ніколи раніше гітари Белламі не звучали так приголомшливо».
Альбом вийшов 5 червня 2015 р. Drones — це концептуальний альбом, що розповідає історію солдата: від «покинення та втрати надії» до того, щоб «стати людиною-дроном», і до «зрештою, дезертирства». Альбом був прямою критикою «дегуманізованої механізованої війни» та, зокрема, «програми безпілотників адміністрації Обами».
Саме тут альбом зазнав найбільшої критики. У той час як інструментально такі треки, як Reapers та The Handler, були визнані одними з найкращих у каталозі гурту, лірика була сприйнята як надто прямолінійна та незграбна, а тексти загалом критикували як очевидні, базові та банальні.
Незважаючи на змішані відгуки та суперечки щодо лірики, Drones став тріумфом в маркетинговому плані.
Альбом дебютував на першому місці у 21 країні. Найголовніше, він став першим в історії альбомом Muse, який очолив чарт Billboard 200 у США. Крім того, у 2016 році Drones виграв премію Греммі за «Найкращий рок-альбом».
Це створює парадокс: альбом, який багато хто вважав кроком назад у ліричному плані, досяг комерційних висот, яких не змогли досягти його більш визнані попередники. Це свідчить про дві речі: наратив «повернення до року» був надзвичайно ефективним у мобілізації основної фан-бази, і Академія Греммі часто винагороджує альбоми, які очевидно звучать як «рок», і продюсування Ланга ідеально відповідало цьому критерію. Це довело, що бренд Muse був достатньо потужним, щоб очолювати чарти навіть із суперечливим матеріалом.
Критика
На Metacritic Drones має середню оцінку 63. Kerrang! дав Drones ідеальну оцінку, назвавши його «клаустрофобною класикою, яка загострює фокус на тому, що можливо в ім'я високодумного року». Девід Фрік з Rolling Stone похвалив його «об'ємне оновлення заряду гітари-бас-барабанів» як «те, що Muse роблять найкраще». AllMusic писав, що «важко уникнути висновку, що війна — це погано, але ця схильність писати все жирним курсивом, великими літерами, є перевагою, коли йдеться про музику». Kitty Empire з The Observer написала:
«незважаючи на «банальні» тексти та «заплутаний» сюжет, деякі пісні Drones були «неймовірно круті; своєчасне повторення необхідності популярної музики викликати як роздуми, так і приплив дофаміну».
Олівер Кінз з Time Out London назвав обробку теми дронів в альбомі «нетактовною та грубою», а його історію:
«нудною, як собачий корм – розказаною з нечітким банальним висловлюванням спінюваного теоретика змови... Раніше ми скаржилися, що музиканти більше не пишуть про політику. Виходячи з цієї спроби, можливо, це й на краще».
Rolling Stone поставив його 38-м найкращим альбомом у рейтингу 2015 р., назвавши його
«пекучим коментарем до невизначеного жаху нашої епохи, комп’ютерно-керованої смерті згори та орвеллівського політичного клімату... Це було найпереконливіше виття року з безодні».
Simulation Theory: Неоновий поворот
Після жорсткого мілітаризму Drones, Muse зробили ще один поворот на 180 градусів, поринувши у світ неону, наукової фантастики та синт-попу 80-х.
Simulation Theory свідомо відійшов від «темніших тем» попередніх робіт до «легших впливів». Звукова палітра була наповнена жанрами «синт-поп», «new wave» та «electronic rock». Це було підкріплено вибором продюсерів, який включав поп-важковаговиків, як-от Shellback і Timbaland.
Натхнення було явним. Белламі посилався на дитячі спогади про перегляд таких фільмів, як Bladerunner, Back to the Future та The Thing, а також на захоплення технологіями віртуальної реальності. Популярність серіалу Stranger Things також відіграла значну роль.
Для цього альбому візуальна складова була не менш важливою, ніж музична. Гурт найняв Кайла Ламберта, художника, відповідального за культові постери до Stranger Things. Як зазначив барабанщик Домінік Говард, ідея полягала в тому, щоб «зробити щось на кшталт постера до фільму для обкладинки альбому».
Белламі описав відкриваючий трек Algorithm як «мій вигаданий саундтрек до науково-фантастичного фільму 80-х». Simulation Theory — це не просто альбом; це цілісний аудіовізуальний проект. Обкладинка Ламберта — це не додаток, а ключ до розуміння всього твору. Як влучно висловився один критик, альбом слугував «неоновою тонікою для Drones».
Тематично альбом модернізував класичну параною Muse. Якщо The Resistance та Drones фокусувалися на державному та військовому контролі (у дусі 1984 Джорджа Орвелла), то Simulation Theory змістив фокус на технологічний контроль.
Лірика досліджує теми віртуальної реальності, симуляції та загрози штучного інтелекту. Як йдеться у супровідному фільмі, «алгоритми та ШІ стали новими 'вони'», які «знають нас краще, ніж ми самі себе». Це був чіткий перехід від Орвелла до серіалу Black Mirror.
Simulation Theory став остаточним доказом парадоксу Muse. За традиційними мірками, альбом провалився: він показав низькі продажі (понад 200 тис. одиниць у США порівняно з понад 500 тис. у The 2nd Law), став платиновим лише у Франції і отримав такий же «прохолодний» рейтинг 63 на Metacritic, що й Drones.
Але Simulation Theory World Tour став найприбутковішим та найефективнішим туром в історії гурту.
Тур зібрав $102.3 мільйона і продав 1.3 мільйона квитків лише за 55 зареєстрованих шоу.
Drones World Tour зібрав менше ($88.5 мільйонів) за значно більшу кількість шоу (98 зареєстрованих).
Причина цього успіху криється в тому, що естетика 80-х та концепція «постера до фільму» були ідеальним планом для візуально насиченого, театралізованого шоу на арені. Muse остаточно перетворилися з гурту, що продає альбоми, на гурт, що продає живий досвід. Альбом Simulation Theory був успішним, тому що він слугував ідеальною рекламою для туру Simulation Theory.
Висновки, Will of the people та майбутнє Muse
Велич Muse полягає в їхньому фундаментальному парадоксі: вони одночасно є тріо технічно бездоганних музикантів і, можливо, найуспішнішим «надмірно помпезним» гуртом у світі. Їхня кар'єра — це постійний виклик, де вони безстрашно поєднують 13-хвилинні класичні симфонії, натхненні Рахманіновим і Шопеном, з фанк-роком у стилі Прінса , R&B і важким металом. Саме ця «вражаюча безглуздість», яку колись висміювали критики, дозволила їм зайняти місце поруч з титанами, яких вони наслідували.
Їхні живі виступи є неперевершеними; їхній концертний тур HAARP 2007 р. був визнаний «Найвеличнішою Подією» в історії стадіону «Вемблі», перевершивши навіть легендарний виступ Queen у 1986 р. Це порівняння з Queen є глибоким: гітарист Queen, Браян Мей, особисто хвалив Muse як «надзвичайних музикантів», які «дозволяють своєму божевіллю проявитися». У відповідь на таку повагу та на знак визнання свого коріння, Muse назвали своє тріумфальне повернення до рідного міста у 2009 р. A Seaside Rendezvous — пряме посилання на однойменний трек Queen.
Дев'ятий альбом, Will of the People, що вийшов 26 серпня 2022 р. став квінтесенцією цього парадоксу. Його появу вперше анонсували не прес-релізом, а неформальним відео в Instagram на Різдво 2021 р., де Метт Белламі знімав свого сина Бінга, який захоплено «гедбенґив» у машині під нищівно важкий риф нового треку Won't Stand Down. Цей сингл одразу ж привернув увагу світових ЗМІ, не в останню чергу завдяки потужному кінематографічному кліпу, який (у грудні 2021 р.) був повністю знятий у Києві українською студією Shelter Film.
Сам альбом, за визнанням гурту, став унікальною відповіддю лейблу: замість випускати традиційну збірку «greatest hits», Muse вирішила записати новий альбом, який, по суті, є компіляцією всіх їхніх попередніх стилів — від глем-року до металу та синт-попу. Альбом отриматив позитивну реакцію критиків та став сьомим підряд зайнявшим 1 місце в чарті Британії.
WOTP — це самосвідомий огляд власної спадщини: трек Will of the People — це глем-рок у стилі Psycho та Uprising; Compliance — чистий синт-поп Simulation Theory; Liberation — це театральна, фортепіанна балада, що прямо цитує Queen та The Resistance; Won't Stand Down поєднує металеві рифи Origin of Symmetry з оркестровками Absolution; Kill or Be Killed є сумішшю найважчих моментів Absolution та Drones; Verona нагадує електроніку Madness з The 2nd Law; а хаотичний фінал We Are Fucking Fucked відсилає до сирого звучання Showbiz. Таким чином, Will of the People — це не просто альбом: Muse виконали роль кавер-гурту самих себе, створивши ідеальний стадіонний сет-ліст, що складається виключно з «нових хітів».
Ця тенденція до експериментів продовжується. У червні 2025 р. гурт випустив новий сингл Unravelling — трек, що знову поєднує непоєднуване: він починається з моторошних синтезаторів, а потім «вибухає» стіною важких рифів, вперше в історії гурту використовуючи 8-струнну гітару та елементи дженту.
Щодо майбутнього десятого альбому LP10, учасники гурту підтвердили, що вже розпочали роботу. У червні 2025 р. басист Кріс Волстенголм був помічений у студії Abbey Road. Метт Белламі зазначив, що продюсуванням нового матеріалу займатиметься гастрольний учасник гурту Ден Ланкастер. Хоча Белламі не впевнений, чи виллється це у повноцінний альбом, EP чи серію синглів, він підтвердив, що гурту «дуже подобається» важча атмосфера Unravelling, і цей сингл, ймовірно, «вплине на майбутні пісні», хоча наступний реліз, як очікується, буде «різноманітним за жанрами».
Підсумок
Тож у підсумку, можна вважати Muse справді унікальним гуртом. З’явившись в епоху ню-металу, вони робили те, що хотіли, і продовжують гнути свою лінію понад 25 років. За це ми і любимо Muse — за нескінченні експерименти, помпезність та вражаючу безглуздість.
